La cinématographie est souvent sous-estimée par les cinéphiles occasionnels. Pourtant, une excellente cinématographie peut transformer des films bien conçus en magnifiques chefs-d’œuvre. La cinématographie est généralement mal comprise, certaines personnes ayant tendance à attribuer le travail des réalisateurs aux directeurs de la photographie et vice versa. En clair, la cinématographie est l’art de capturer des images pour le cinéma et la télévision, ce qui inclut l’éclairage, le cadrage, la profondeur de champ, le contraste, la couleur et bien d’autres choses encore. Les directeurs de la photographie et les réalisateurs travaillent souvent en étroite collaboration pour obtenir l’image souhaitée, ce qui conduit parfois à des partenariats de plusieurs dizaines d’années.
Une excellente cinématographie peut créer de superbes œuvres d’art, mais elle peut aussi aider à raconter l’histoire des personnages sans qu’il soit nécessaire de recourir à des dialogues. De subtils changements de lumière et de mise au point peuvent en dire long sur les sentiments d’un personnage ou sur ce qui l’intéresse, et une cinématographie audacieuse est un moyen de dépeindre l’état interne d’un personnage à l’aide de facteurs externes. Bien que la meilleure cinématographie complète un film plutôt que de le distraire, certains films sont si beaux qu’ils peuvent être appréciés avec le son éteint.
12 Roma (2018)
Le collaborateur de longue date d’Alfonso Cuarón, Emmanuel « Chivo » Lubezki, a remporté l’Oscar de la meilleure photographie trois années de suite, pour Gravity (2013), Birdman (2014) et The Revenant (2015), mais un conflit de calendrier a poussé Alfonso Cuarón à tourner lui-même Roma. Plutôt que d’utiliser le noir et blanc pour créer des ombres expressives et audacieuses comme dans tant d’autres films, Roma utilise une composition monochromatique beaucoup plus simple et réaliste. Malgré sa couleur, Roma est beaucoup plus moderne sur le plan stylistique que des films comme Citizen Kane ou Le troisième homme, la couleur étant dépouillée pour se concentrer davantage sur la composition.
11 The Grand Budapest Hotel (2014)
Grâce à sa collaboration avec Robert Yeoman, Wes Anderson est l’un des réalisateurs les plus visuellement distinctifs du 21e siècle. Son utilisation de compositions plates, de travellings latéraux et d’angles de caméra parfaitement rectilignes confère à ses films un aspect ludique, suscitant des comparaisons avec les croquis d’un enfant ou un diorama. The Grand Budapest Hotel pourrait être le meilleur film de Wes Anderson, car ses touches stylistiques complètent parfaitement une captivante histoire alternative. The Grand Budapest Hotel est plus audacieusement coloré que nombre de ses autres films, le réalisme étant mis de côté pour laisser place à une histoire dans l’histoire.
10 Barry Lyndon (1975)
Tous les films de Stanley Kubrick valent la peine d’être vus pour leur magnifique cinématographie, mais Barry Lyndon se démarque encore de la masse. S’inspirant de son cadre du XVIIIe siècle, Barry Lyndon utilise des plans larges des campagnes britanniques et irlandaises pour imiter les paysages peints à l’huile, tels que ceux de John Constable et Thomas Gainsborough. L’ouverture de ces compositions nécessite un recours à la lumière naturelle, mais cela ne fait qu’ajouter à l’impression d’espace et de vide du film, qui soutient le thème du hasard influençant les événements personnels et mondiaux.
Stanley Kubrick était un réalisateur exceptionnel, loué pour son impact sur de nombreux genres cinématographiques, les films de guerre étant l’un de ses films les plus revisités.
9 Her (2013)
Une grande partie de l’attrait visuel de Her peut être attribuée à la conception créative de la production, qui abrite de nouvelles technologies de science-fiction dans des objets quotidiens familiers, mais la cinématographie de Hoyte van Hoytema ne devrait pas passer inaperçue. Il y a plusieurs plans larges d’une ville animée, mais ils donnent l’impression d’être vides malgré les hordes de gens. Cela donne l’impression que les personnages sont complètement seuls et incapables de se connecter à un niveau humain, même lorsqu’ils sont entourés d’autres personnes confrontées au même problème. La lumière dorée qui se répand parfois dans la ville contraste merveilleusement avec le bleu froid des écrans d’ordinateur la nuit.
8 WALL-E (2008)
Pixar a pris un énorme risque avec WALL-E, en décidant de raconter une histoire essentiellement sans dialogue et sans personnages humains auxquels le public puisse s’identifier. La cinématographie est donc mise à rude épreuve pour raconter l’histoire à l’aide d’indices visuels, mais aussi pour exprimer des émotions grâce à l’éclairage et à la composition des plans. S’inspirant de nombreux films spatiaux classiques, WALL-E utilise un sens de l’échelle grandiose pour isoler son protagoniste dans un monde étrange et stérile. Les vestiges massifs de la société humaine sur Terre servent de toile de fond morose, rappelant constamment la tragédie qui entoure la création de WALL-E.
7 Portrait Of A Lady On Fire (2018)
Portrait of a Lady on Fire raconte l’histoire d’une artiste et de son sujet, et le film lui-même est un chef-d’œuvre visuel. Le magnifique décor est coloré par une chaude lumière automnale, suggérant que la nature éphémère de l’amour de Marianne et Héloïse ne pourra jamais durer. Les plans extérieurs sont lumineux et libres, tandis que l’intérieur est éclairé d’une faible lueur intime. Ce contraste reflète parfaitement la dualité de la relation entre les deux femmes, qui sont revitalisées par leur amour, mais qui savent au fond d’elles-mêmes que leurs rêves de vie au grand jour sont irréalistes.
Les fans de Portrait of a Lady on Fire vont adorer ces faits, qu’il s’agisse de l’éclairage, des choix cinématographiques, de la musique ou de la façon dont les acteurs se déplacent.
6 Zodiac (2007)
David Fincher crée des films extrêmement immersifs en suivant les moindres mouvements de ses personnages avec sa caméra. Cette technique hypnotisante est utilisée dans Zodiac pour placer le public dans la peau du tueur, créant des plans voyeuristes inconfortables de personnages aux sens paranoïaques exacerbés. Zodiac se concentre sur l’obsession personnelle de Robert Graysmith pour le tueur, et la composition minutieuse des plans le fait souvent paraître petit et seul.
5 Fargo (1996)
Le légendaire directeur de la photographie britannique Roger Deakins a gagné un immense respect pour ses collaborations avec Sam Mendes, Denis Villeneuve, les frères Coen et bien d’autres grands réalisateurs. Pour Fargo, Deakins a travaillé avec les frères Coen pour communiquer l’immense froideur du Dakota du Nord et du Minnesota. Jerry est souvent cadré complètement seul sur des fonds enneigés, comme une âme perdue à la dérive dans le purgatoire.
4 Lawrence d’Arabie (1962)
La musique orchestrale emblématique de Lawrence d’Arabie est parfaite pour les plans larges du désert, conférant un sentiment de majesté exotique à l’histoire de la quête de T.E. Lawrence pour unir les tribus arabes dans l’Empire ottoman pendant la Première Guerre mondiale. Sous des cieux sans nuages qui laissent entrevoir des possibilités infinies, Lawrence se retrouve mêlé à des troubles politiques et à des batailles sanglantes. La sérénité des plans larges est un contrepoint intelligent aux luttes discordantes des personnages.
De nombreux cinéastes britanniques ont trouvé leur inspiration dans l’histoire militaire du pays, et certains des meilleurs films britanniques de tous les temps ont pour thème la guerre.
3 Mudbound (2017)
Pour son travail sur Mudbound, Rachel Morrison est devenue la première femme à être nommée pour l’Oscar de la meilleure photographie. Son utilisation magistrale de la lumière naturelle colore le delta du Mississippi de teintes chaudes, enfermant les personnages dans une sorte de stase mélancolique au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Les tons terreux de Mudbound constituent une merveilleuse toile de fond naturaliste, et ils accentuent le contraste avec des éclaboussures saisissantes de sang cramoisi.
2 Drive (2011)
Drive utilise des compositions de plans superposés pour révéler des détails cachés sur ses personnages, même s’ils rejettent ces vérités de l’extérieur. En plaçant les personnages dans les coins du cadre, Newton Thomas Sigel et le réalisateur Nicolas Winding Refn peuvent utiliser l’espace négatif pour raconter l’histoire de leurs peurs et de leurs désirs. Une grande partie du personnage du chauffeur reste sous la surface, mais la lumière crue des réverbères en éclaire bien plus qu’il ne le fait. La version de Drive d’un Los Angeles miteux est une ville enivrante et onirique.
1 Apocalypse Now (1979)
Les contrastes dramatiques entre l’ombre et la lumière et les tons très saturés d’Apocalypse Now contribuent tous à créer un paysage infernal, s’inspirant thématiquement de Joseph Conrad, ainsi que sur le plan narratif. Francis Ford Coppola et Vittorio Storaro ont créé une image profondément immersive de la guerre, avec le chaos comme ligne de base, ce qui contribue à exagérer l’entrée effrayante de Kurtz. La saturation est essentielle pour transmettre le danger viscéral du feu et des explosions. Elles attirent l’œil vers elles alors qu’elles déchirent les verts luxuriants de la forêt vietnamienne.
